{"id":44162,"date":"2025-11-11T12:00:56","date_gmt":"2025-11-11T12:00:56","guid":{"rendered":"https:\/\/artizar.es\/pr-marco-alom-una-luz-negra\/"},"modified":"2025-11-11T17:12:52","modified_gmt":"2025-11-11T17:12:52","slug":"pr-marco-alom-una-luz-negra","status":"publish","type":"page","link":"https:\/\/artizar.es\/en\/pr-marco-alom-una-luz-negra\/","title":{"rendered":"Pr. Marco Alom – Una Luz Negra"},"content":{"rendered":"\t\t
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MARCO ALOM<\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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UNA LUZ NEGRA<\/h2>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t
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Casa de la cultura agust\u00edn de la hoz<\/strong> \u00b7 Lanzarote \u00b7 Espa\u00f1a<\/p>\n

7 NOV 2025 – 7 MAR 2026<\/p>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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organiza_<\/p>\n

Cabildo de lanzarote<\/strong><\/p>\n

Ayuntamiento de arrecife<\/strong><\/p>\n

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comisario_ Frasco pinto<\/strong><\/p>\n

Produce y coordina_ Galer\u00eda Artizar<\/strong><\/p>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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Hacia otro mito<\/em><\/strong><\/p>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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(Extracto)<\/p>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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Dalia de la Rosa<\/strong><\/p>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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Marco Alom (Tenerife, 1986) tiene todas las edades dentro. Desde aquel a\u00f1o en la isla de Patmos en 2017 se produce un estallido, quiz\u00e1 silencioso pero evidente, que une el dibujo con una manera de entender la memoria, el territorio y el paisaje. En ese momento, desde un punto de vista anal\u00edtico, la obra de Alom comienza a sacar su fuerza narrativa, una forma de dibujar profusa, abigarrada y llena de mundos y de edades. Unos a\u00f1os antes, ya se ven\u00eda fraguando en su cabeza todo un imaginario que ten\u00edan como punto focal la influencia de campos diversos del saber cient\u00edfico, las im\u00e1genes decimon\u00f3nicas de grabados o postales y la historia de las\/os viajeras\/os y expediciones que apuntalaron unas descripciones concretas del Archipi\u00e9lago Afortunado.<\/p>\n

Antes de esto, previo a ese 2017, interesantes y sugestivas eran sus postales de aire decimon\u00f3nico, intervenidas con fabulosos y fant\u00e1sticos animales, cuya escala con respecto a las ciudades, arquitecturas o paisajes sobre las que se situaban nos conectaban directamente con una aventura literaria a lo Julio Verne. Estas obras conviv\u00edan con una forma de contar las historias que pervive actualmente, porque toda persona que conoce al artista, vive en su piel y sabe de su capacidad de bardo contador, un cantor de las haza\u00f1as de su pueblo, pero tambi\u00e9n, un rapsoda al modo griego que memoriza los poemas para un p\u00fablico. Estar en las proximidades de Marco Alom, por esto, es estar en contacto con muchas edades superpuestas.<\/p>\n

Todo el imaginario que contiene o preserva en su interior el artista es un cruce de experiencias que parten de la construcci\u00f3n de arquetipos que toma de la universalidad, pero que sit\u00faa en un lugar concreto. Es decir, toda la obra, de \u00a0alguna forma, expl\u00edcita o simb\u00f3licamente se inserta e inscribe en el territorio de las islas Canarias. Esto se traduce en una constante recuperaci\u00f3n de experiencias de su propio entorno, que est\u00e1 jalonada de sus intereses intelectuales y de su propia infancia en las median\u00edas de la zona sur de la isla de Tenerife, donde conviv\u00eda con un territorio todav\u00eda ignoto para la gran industria de \u201cplantaci\u00f3n\u201d canaria del siglo XX, el turismo. En esa etapa de ni\u00f1ez aparecen las garzas, las huertas, el malpa\u00eds, los amigos, una vida conectada con personas que enriquecen, familiar y afectuosamente, su deseo de aprender. El suyo es, por tanto, un hacer situado jalonado de m\u00faltiples influencias.<\/p>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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Marco alom. La imagen como tiempo, la memoria como mito<\/em><\/strong><\/p>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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Claudia Taboada<\/strong><\/p>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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se derrumban por un instante inmenso y vislumbramos nuestra unidad perdida, el desamparo que es ser hombres, la gloria que es ser hombres y compartir el pan, el sol, la muerte, el olvidado asombro de estar vivos; <\/i><\/i><\/p>\n

(…) Fragmento del poema \u201cPiedra de Sol\u201d, de Octavio Paz <\/i><\/p>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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Hay artistas cuya obra se nos ofrece como un espejo de lo real, un registro fiel de lo visible. Y hay otros, m\u00e1s complejos y necesarios, que entienden el arte como una operaci\u00f3n de desbordamiento, reinvenci\u00f3n, o sue\u00f1os l\u00facidos llenos de alucinaciones. Marco Alom pertenece a este segundo linaje. Sus obras pudieran ser le\u00eddas como cartograf\u00edas de lo imposible: superficies en las que se hibridan mitos, s\u00edmbolos y criaturas fant\u00e1sticas, donde el exceso de detalles deviene el gesto m\u00e1s simple de sus mensajes.<\/p>\n

Estar ante la obra de Marco Alom hace que la mirada no repose en la superficie, sino que se sumerja hasta perderse en los entresijos del dibujo. Algo semejante sucede al enfrentarse a Piedra de Sol<\/i>, de Octavio Paz. Ese poema largo, circular, que comienza y termina con los mismos versos, obliga al lector a entrar en una corriente temporal que no tiene principio ni fin. As\u00ed como Paz propone una po\u00e9tica del tiempo infinito, Marco Alom construye, l\u00ednea a l\u00ednea, un universo visual que reh\u00fasa toda clausura. Poeta y artista dialogan sin propon\u00e9rselo, coincidiendo en un territorio donde el tiempo se pliega sobre s\u00ed mismo y la imagen se convierte en escritura.<\/p>\n

Situar a Marco Alom en la historia del arte implica reconocer un doble arraigo. Por un lado, en la tradici\u00f3n insular de Canarias, donde lo tel\u00farico y lo mar\u00edtimo han configurado una sensibilidad atravesada por la memoria, el tr\u00e1nsito y el mestizaje cultural. Por otro, en un horizonte universal, donde su obra dialoga tanto con los c\u00f3dices medievales como con la bot\u00e1nica ilustrada del siglo XVIII, con los diagramas alqu\u00edmicos y los mapas cosmol\u00f3gicos de las culturas originarias.<\/p>\n

El artista no trabaja desde la nostalgia de un pasado perdido, sino desde la certeza de que el mito y la cultura son presencias activas, fuerzas que siguen operando en el presente. Sus dibujos recuerdan a c\u00f3dices que nunca existieron, pero que parecen necesarios para interpretar la historia humana. As\u00ed, su obra se coloca en el cruce entre antropolog\u00eda visual y poes\u00eda pl\u00e1stica: cada detalle no es mera ornamentaci\u00f3n, sino un gesto de memoria, un intento de reconstituir lo fragmentado.<\/p>\n

Uno de los elementos claves y m\u00e1s importantes en la obra reciente de Alom es su obsesi\u00f3n por llenar todos los espacios. La superficie blanca es para \u00e9l una amenaza, un vac\u00edo que reclama ser habitado. Sus l\u00edneas proliferan como ra\u00edces o rizomas, conectando figuras y s\u00edmbolos en un entramado sin jerarqu\u00edas aparentes. Ese gesto puede leerse desde la historia del arte como una reacci\u00f3n contra la econom\u00eda moderna de la imagen, que privilegia lo r\u00e1pido, lo m\u00ednimo, lo reductivo. Alom, en cambio, reivindica la densidad: mirar sus obras exige tiempo, paciencia, disposici\u00f3n a perderse en la mara\u00f1a de signos.<\/p>\n

Desde una perspectiva cultural, esta insistencia en el detalle puede comprenderse como un acto de resistencia frente a la simplificaci\u00f3n. All\u00ed donde la cultura contempor\u00e1nea tiende a consumir im\u00e1genes de manera inmediata, Alom nos obliga a demorarnos. Cada criatura, cada pliegue de sus dibujos, parece decir lo que Octavio Paz sugiere en Piedra de Sol<\/i>: \u201cel instante es inmortal\u201d.<\/p>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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La obra del artista canario puede leerse a la luz de lo que Gaston Bachelard, en La po\u00e9tica del espacio<\/i>, llamaba \u201cla inmensidad \u00edntima\u201d. All\u00ed donde la imaginaci\u00f3n no describe el mundo exterior, sino que lo expande desde un centro interior, Alom construye universos minuciosos que se abren como constelaciones de sentido. Cada fragmento suyo recuerda que la imagen, seg\u00fan Bachelard, no es solo un reflejo sino una germinaci\u00f3n: una semilla que crece en m\u00faltiples direcciones, llenando los vac\u00edos de la superficie con formas que no agotan el misterio sino que lo multiplican. El blanco no es ausencia, es promesa: territorio a\u00fan por habitar. La l\u00ednea, en su insistencia casi r\u00edtmica, deviene arquitectura de un cosmos \u00edntimo y colectivo a la vez. En esa tensi\u00f3n entre lo microsc\u00f3pico y lo infinito se manifiesta lo que Bachelard intu\u00eda como el poder metaf\u00edsico de la enso\u00f1aci\u00f3n: hacer del arte un espacio total, un refugio que es tambi\u00e9n un universo.<\/p>\n

Toda la obra de Marco Alom parece sostenida por una arqueolog\u00eda interior. No es casual que provenga de una familia de arque\u00f3logos: en su imaginario, excavar y dibujar son acciones hermanas. Ambas implican desenterrar signos, rastrear vestigios, devolver al presente los fragmentos de un tiempo remoto. De esa herencia proviene su relaci\u00f3n con el mito. Su mirada es la de quien busca en el pasado las huellas de una verdad primera: la comuni\u00f3n entre el hombre y lo invisible. En esa b\u00fasqueda se reconoce en artistas visionarios como William Blake, que fundi\u00f3 poes\u00eda y revelaci\u00f3n para construir una cosmolog\u00eda personal, o como Henri Gaston Darien, cuya imaginer\u00eda simb\u00f3lica hizo de la materia un campo de resonancias espirituales.<\/p>\n

En el \u00e1mbito literario, Alom encuentra afinidades con autores que exploraron la ra\u00edz m\u00e1gica de lo humano. Julio Caro Baroja, con su indagaci\u00f3n en el Paleol\u00edtico vasco y en el mundo de las brujas, le ofrece una genealog\u00eda cultural donde lo sagrado y lo profano se confunden, donde la superstici\u00f3n y la memoria colectiva act\u00faan como lenguajes de resistencia frente a la racionalidad moderna. De ah\u00ed que su obra dialogue tanto con corrientes pl\u00e1sticas y de pensamiento medievales y paleol\u00edticas, donde la imagen no ilustra: invoca. Sus criaturas no pertenecen al presente, sino a una continuidad arcaica donde el arte es todav\u00eda una forma de magia, una herramienta de conocimiento.<\/p>\n

En esta \u201cmitograf\u00eda\u201d, como le llamaba Carlos Pinto, la mirada se vuelve un eje de comuni\u00f3n. Los ojos, presentes en muchas de sus criaturas, se convierten en portales hacia otras tierras divinas. En Exvoto<\/i>, espec\u00edficamente, el artista convoca una escena coral donde lo animal, lo sagrado y lo humano se entrelazan en una misma ceremonia de luz. Las cabras parecieran estar pose\u00eddas, o en ese tr\u00e1nsito del umbral entre lo real y lo imaginado, presenciando en el centro la ofrenda como acto votivo: donde lo humano busca reconciliarse con lo divino. Las aves aureoladas, las testigos y mensajeras, mediadoras entre el mundo terrestre y el espiritual. Esa comuni\u00f3n entre seres, ese tr\u00e1nsito de lo profano a lo sagrado, recuerda el universo de Belkis Ay\u00f3n y su Cena<\/i>, donde la artista cubana transform\u00f3 el mito abaku\u00e1 en una liturgia visual de lo inaccesible. Ay\u00f3n concibi\u00f3 su obra como un acto de revelaci\u00f3n y transgresi\u00f3n: dio cuerpo femenino al mito masculino, transformando la figura de Sik\u00e1n, la iniciada y la sacrificada, en un espejo de su propia b\u00fasqueda espiritual. Si en Ay\u00f3n los ojos blancos de sus personajes son or\u00e1culos silenciosos, espejos del alma colectiva, en Alom los ojos se encienden como constelaciones interiores, encarnando el mismo gesto de apertura hacia lo inefable. En ambos casos, el rito se vuelve un lenguaje de resistencia y trascendencia.<\/p>\n

Esa dimensi\u00f3n ritual se prolonga en su di\u00e1logo con Jos\u00e9 Bedia. De \u00e9l hereda no solo el rigor del estudio antropol\u00f3gico, sino la intuici\u00f3n de que cada trazo puede convertirse en mapa, cada ojo en un punto de una constelaci\u00f3n. En piezas como Sephirot <\/i>(2024), de Alom, los ojos de los animales conforman un diagrama oculto, una geometr\u00eda m\u00edstica que remite a la C\u00e1bala, al Nombre de Dios, a la estructura secreta del universo. Como en Bedia, la obra de Alom convierte la superficie en un territorio inici\u00e1tico donde el espectador debe descifrar signos, participar del relato simb\u00f3lico, devenir iniciado.<\/p>\n

Finalmente, el eco de Anselm Kiefer atraviesa su pr\u00e1ctica como una respiraci\u00f3n mineral. De Kiefer asimila esa alquimia entre materia y mito, esa voluntad de hacer del papel, del polvo y del residuo una sustancia sagrada. En sus papeles gofrados o en las piezas que evocan vestiduras lit\u00fargicas, Alom comparte con el artista alem\u00e1n la pulsi\u00f3n de transformar la ruina en reliquia, la materia en memoria. Lo espiritual y lo terrenal conviven en sus superficies con la misma gravedad rom\u00e1ntica que anima los paisajes de Kiefer: todo en ellas parece llevar siglos esperando al espectador, como si el arte, una vez m\u00e1s, no fuera sino el acto de reconocer lo eterno en lo que perece.<\/p>\n

En Piedra de Sol<\/i>, Octavio Paz escribi\u00f3: \u201cun cuerpo es todos los cuerpos \/ un instante es todos los tiempos\u201d. Esa intuici\u00f3n podr\u00eda coexistir facilmente en el trabajo de Alom. Cada figura que traza parece contener una genealog\u00eda entera de formas: lo animal y lo humano, lo arcaico y lo contempor\u00e1neo, lo sagrado y lo profano. En sus superficies, el tiempo no avanza: se pliega. Lo que el poeta enuncia como circularidad del instante, Alom lo transforma en una escritura visual donde cada l\u00ednea es tambi\u00e9n una memoria.<\/p>\n

Como el poema de Paz, la obra de Alom no concluye: retorna. No busca decir la \u00faltima palabra, sino abrir el c\u00edrculo.<\/p>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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