Jesús Zurita lo ha dicho y lo ha escrito en varias ocasiones: lo vegetal en su obra funciona como metáfora de la carne, de lo humano. Sus paisajes de entrañas nos obligan a experimentar una génesis pasiva de la conciencia que nos somete, por un proceso empático, al efecto perturbador de lo idéntico. Asimismo, la revelación evidencia una carencia anterior a ésta que deviene en extrañeza. Nos percibimos como un “Otro” que nos precede y nos posee. Con todo, esa percepción de lo personal como un “Otro” responde a la oposición entre conceptos tan contrarios como idéntico y extraño, y en ese marco entre lo que nos provoca espanto por ser conocido y asombroso por desconocerlo es donde nos sitúa el artista.

Si entendemos la piel como un límite que separa el adentro del afuera, debemos interpretar que todo aquello que rebasa la frontera se opone al “Yo”. La carne, en este caso, está madura, barrunta la putrefacción, y no hay nada más abyecto que la confrontación con nuestra condición de vivientes. La fascinación que despierta la observación de aquello que nos habita —como fluidos o vísceras— fuera de nosotros nos obliga a oscilar entre un polo de atracción y otro de repulsión que fuerza la alteridad.

Como ocurre con las pinturas de la cueva de Chauvet, la serie de cuatro lienzos que abre la exposición recoge una colección de imágenes que parecen surgir de la oscuridad. Algunas de ellas evocan, de nuevo, formas orgánicas en las que advertimos una huella artificial, y por ende, humana. El pigmento azul recuerda al óxido de cobre que en la cerámica tradicional china se utilizó para lograr una tonalidad concreta y, en cualquier caso, remite a una práctica ancestral cuya finalidad es la de contener materia en su oquedad. En No hay nadie. Necesariamente aparece una forma serpenteante y luminosa que se encara con otra que permanece en la sombra.